La Revolución Francesa fue el cambio político
más importante que se produjo en Europa, a fines del siglo XVIII. No fue sólo
importante para Francia, sino que sirvió
de ejemplo para otros países, en donde se desataron conflictos sociales
similares, en contra de un régimen
anacrónico y opresor, como era la monarquía. Esta revolución significó el
triunfo de un pueblo pobre, oprimido y cansado de las injusticias, sobre los
privilegios de la nobleza feudal y del estado absolutista.
Durante el reinado de Luis XIV (1643-1715),
Francia se hallaba bajo el dominio de una monarquía absolutista, el poder de
rey y de la nobleza era la base de este régimen, pero en realidad el estado se
encontraba en una situación económica bastante precaria, que se agravó por el
mal gobierno de Luis XV (bisnieto de Luis XIV), y que tocó fondo durante el
reinado de Luis XVI, gobernante bien intencionado, pero de carácter débil, por
lo que se lo llamaba el buen Luis.
La
economía del país estaba arruinada.
Los nobles
consecuentemente sufrían dramas financieros.
El clero
no recibía el diezmo por parte del pueblo.
La
burguesía quería acceder a cargos públicos.
Los
campesinos estaban cansados del poder feudal.
La
sociedad estaba compuesta por tres sectores sociales llamados estados.
CONSECUENCIAS DE LA REVOLUCIÓN FRANCESA
1-Se destruyó el sistema feudal.
2-Se dio un fuerte golpe a la monarquía
absoluta.
3-Surgió la creación de una República de corte
liberal.
4-Se difundió la declaración de los Derechos
del hombre y los Ciudadanos.
5-La separación de la Iglesia y del Estado en
1794 fue un antecedente para separar la religión de la política en otras partes
del mundo.
6-La burguesía amplió cada vez más su influencia
en Europa.
7-Se difundieron ideas democráticas.
8-Los derechos y privilegios de los señores
feudales fueron anulados.
9-Comenzaron a surgir ideas de independencia en
las colonias iberoamericanas.
10-Se fomentaron los movimientos nacionalistas.
NEOCLASICISMO
Surgió en elsiglo XVIIIpara
denominar de forma peyorativa al movimientoestéticoque venía a reflejar en lasarteslos principios intelectuales de laIlustración, que desde mediados delsiglo
XVIIIse venían produciendo en lafilosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los
ámbitos de lacultura. Sin embargo después de la caída deNapoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia elRomanticismoy el Neoclasicismo fue abandonado.
ARQUITECTURA:
Puerta de Brandeburgo
La arquitectura puede ser analizada como una
rama de las artes social y moral; La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de
influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así
las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como
hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter
monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura
barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo
arquitectónico de validez universal. Nacen movimientos de crítica que propugnan
la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios.
Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781)
extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en
Francia, el abate Marc-Antoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai
sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad
de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial
y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos
constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura
verdadera: la construida con lógica.
Los modelos greco-romanos dieron lugar a una
arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para
darle un nuevo sentido en la sociedad civil.
Los
hermanos Adam extendieron por toda Inglaterra un modelo decorativo para
interiores con temas sacados de la arqueología; una de sus obras más
representativas es Osterley Park, con una notable estancia etrusca y un clásico
hall de entrada (1775-80).
Italia prefirió recrear sus modelos antiguos
ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del
Panteón de Agripa en Roma se repite en un gran número de templos, como el de la
Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos
terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen cilíndrico
del Panteón.
Otros arquitectos, los llamados utópicos,
revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas
geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque
respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a
veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas.
La
arquitectura pintoresca se da a partir
de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma
natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se
valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en
el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o
medievales. Este juego de formas caprichosas y el aprovechamiento de la luz
buscan suscitar sensaciones en el espectador.
ESCULTURA
Psique reanimada por el beso del amor
de Antonio Canova.
Las esculturas neoclásicas se realizaban en la
mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se
pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble
sencillez y la serena belleza.
Así, los escultores de fines del siglo XVIII y
comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una
pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos
ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de
una cierta intemporalidad. Los modelos griegos y romanos, los temas tomados de
la mitología clásica y las alegorías sobre las virtudes cívicas llenaron los
relieves de los edificios, los frontones de los pórticos y los monumentos, como
arcos de triunfo o columnas conmemorativas.
El retrato también ocupó un importante lugar
en la escultura neoclásica; Antonio Canova representó a Napoleón como Marte (1810, Milán)
y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los modelos
de los dioses clásicos. Otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo
realista que captara el sentimiento del retratado, como Jean-Antoine Houdon con su Voltaire anciano (Museo del Hermitage)
o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de
Joseph Chinard (1756-1813).
PINTURA
Es estética neoclásica. Obras como el
Juramento de los Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes
se sitúan en un primer plano; el predominio del dibujo. Jean Auguste Dominique
Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras -como La
Fuente- que representan este movimiento artístico.
Los pintores, entre los que destacó
Jacques-Louis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y
exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la
revolución.
RENACENTISMO
El Renacimiento se originó en la era de
los descubrimientos geográficos y las conquistas ultramarinas. El Renacimiento
comenzó en Italia en el s.XIV y se difundió por el resto de Europa durante los
siglos XV y XVI. En este periodo, la fragmentaria sociedad feudal de la Edad
Media, caracterizada por una economía básicamente agrícola y una vida cultural
e intelectual dominada por la iglesia, se transformó en una sociedad dominada
progresivamente por instituciones políticas centralizadas, con una economía
urbana y mercantil, en la que se desarrolló el mecenazgo de la educación, de
las artes y de la música.
ARQUITECTURA
La monarquía, fortalecida y en período de
expansión territorial, había patrocinado ya desde el siglo XV la remodelación
de los viejos chateaux medievales y la creación de nuevas residencias más
acordes con los tiempos. Francisco I dio un impulso definitivo a esta operación
renovadora, que tuvo varios focos. El primer edificio renacentista en Francia
fue el Castillo de Saint-Germain-en-Laye, imponente fortaleza de ladrillo y
piedra en la que aparecen pequeños detalles renacientes, dentro de una general
sobriedad de aire militar. De estilo más avanzado serán los Castillos del Valle
del Loira, conjunto de mansiones para la realeza y la nobleza que muestran los
rasgos más característicos del Renacimiento francés: decorativismo de raigambre
manierista, recuerdos goticistas en las estructuras, y quizá lo más novedoso:
una perfecta integración de los edificios en la naturaleza circundante, como se
ve en el grácil puente del Castillo de Chenonceau. El más célebre dentro de este
conjunto es el Castillo de Chambord, que presenta grandes audacias
estilísticas, como una escalera interna helicoidal.
Francisco I se embarcó en la que quizá fue la
obra fundamental de este período: el Palacio de Fontainebleau, vieja mansión de
los reyes franceses que se renovará totalmente. En el edificio en sí, se
aprecia ya el triunfo de las formas italianas, aunque adaptadas al gusto
francés con sus típicas chimeneas y mansardas. Incluye fragmentos de
desbordante creatividad, como la célebre escalera imperial, anticipo de
soluciones barrocas.
Las novedades que se fraguaron aquí
trapasarían el ámbito local y darían origen a todo un estilo, el estilo de
Fontainebleau, un manierismo refinado al servicio de los gustos aristocráticos.
ESCULTURA
La escultura del Renacimiento en Francia fue
también al compás de lo dictado por Italia. Francia dejó de ser ya a finales
del siglo XIV el gran centro escultórico de Europa que fue gracias a los talleres
catedralicios, situación que continuaría durante el siglo XV, y aún más en el
XVI.
No
obstante de la pérdida de hegemonía en este campo, que de todas formas nunca
había sido definitiva, surgieron grandes figuras al calor de los proyectos
reales; es de destacar el carácter ornamental y decorativo que tuvieron las
esculturas, subordinándose al proyeto general de los edificios e integrándose
en éstos. Dos fueron los autores más sobresalientes: Germain Pilon y Jean
Goujon.
PINTURA
Diana de Poitiers
La pintura también experimentó el progresivo
declive de las formas góticas tradicionales y la llegada del nuevo estilo. Como
se ha señalado, se conocieron en Francia de primera mano las formas pictóricas
italianas en el siglo XVI gracias a la llegada de autores muy innovadores, como
Leonardo o Rosso Fiorentino. Francisco I impulsó la formación de artistas
franceses bajo la dirección de maestros italianos, como Niccolò dell'Abbate o
Primaticcio, siendo este último el responsable de la decoración del palacio de
Fontainebleau y la organización de las fiestas de la Corte, y teniendo por
tanto a sus órdenes a muchos artesanos y artistas. Esta convivencia de
talentos, escuelas, disciplinas y géneros dio origen a la llamada escuela
pictórica de Fontainebleau, una derivación del manierismo pictórico italiano que
incide en el erotismo, el lujo, los temas profanos y las alegorías, todo ello
muy del gusto de su clientela principal, la aristocracia. La mayor parte de los
artistas de Fontainebleau fueron anónimos, precisamente por esa integración de
las artes que se propugnaba y por el magisterio de los artistas consagrados. No
obstante, conocemos los nombres de algunos pintores, figurando Jean Cousin el
Viejo o Antoine Caron entre los más destacados. Sin embargo, el pintor francés más
importante de la época, uno de los grandes retratistas de todos los tiempos,
aunque gran parte de su obra se haya perdido, fue François Clouet, que superó a
su padre, el también apreciable Jean Clouet, en la fiel plasmación de la vida
de los poderosos de la época, con una profundidad psicológica y brillantez
formal cuyo precedente hay que buscarlo en Jean Fouquet, gran pintor del siglo
XV aún en la órbita del Gótico.
REALISMO
Realismo es un
término que, además de utilizarse para denominar ciertos movimientos artísticos
reactivos contra el romanticismo en literatura (literatura del realismo) o
pintura (pintura del realismo) ambos originados en la Francia de mediados del
siglo XIX y continuados en el naturalismo literario y pictórico posterior;
tiene una dimensión genérica que permite identificar un realismo artístico como
una postura estética o de teoría del arte que identifica arte y realidad.
En las artes
plásticas (escultura y de forma especialmente trascendente para la pintura,
dadas sus especiales convenciones la reducción a lo bidimensional) puede cumplirse
con muy distintos grados, desde las fronteras de la abstracción hasta el
trampantojo.
Ese enfoque
realista del arte se ha dado en muy distintos estilos y épocas históricas a lo
largo de la historia de la pintura y la historia de la escultura; y en cuanto a
su distinto tratamiento en cada una de las escuelas nacionales, ha sido
propuesto como una de las características definitorias, a lo largo del tiempo,
de la escuela española frente a la escuela italiana y la escuela flamenca.
El realismo en las
artes tiende a representar personajes, situaciones y objetos de la vida
cotidiana de forma verosímil. Tiende a descartar los temas heroicos.
Las Venas Abiertas de América Latina, trata
de la división internacional a la cual nos sometimos en épocas de conquista y
que hasta la actualidad prácticamente perdura eso, porque en dicha división nos
trataron como la sub-América, la clase demasiado baja, la clase que debían explotar,
esclavizar, humillar y sobre todo enriquecerse a base del esfuerzo nativo, de nuestra
Latinoamérica. No siquiera nos dividieron en sur- América, cosa que no sucedía
en Europa.
Pese a
que de dichos pueblos y dichas clases ellos fueron los únicos favorecidos. A nosotros lo único que
nos dejaron a partir de esa época fue muerte, enfermedades y una América demasiada
explotada.
Los pueblos que antes eran más ahora son menos, los que poseían la mayor cantidad
de gente en épocas de conquista como el de Potosí ha ido desapareciendo gracias
a dicha subordinación a la cual nos sometieron, pese a que esta era una montaña
de matices demasiados hermosos, además que
la muerte estuvo presente en cada momento; las madres mataban a sus hijos los
indios morían en la explotación de minas, se enfermaban por tenerles a la intemperie
o morían encerrados en las minas. La Corona fue la que más se enriqueció con
las explotaciones, se llevaron nuestra plata, oro especias, etc.
América Latina fue tomada como una herencia
para los reyes. Con todo lo que se llevaron se podría pagar la deuda externa de
Bolivia.
Filippo di Ser Brunellesco
Lapi, Filippo Brunelleschi
(1377 - 15 de abril
de 1446)
fue un arquitecto,
escultor
y orfebre
renacentista
italiano.
Es conocido, sobre todo, por
su trabajo en la cúpula de la catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos
matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la
arquitectura, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva cónica.
Santa
María del Fiore
La Basílica de Santa Maria del
Fiore es la catedral de la archidiócesis católica romana de Florencia,
notable por su cúpula. Es una de las obras maestras del arte gótico
y del primer Renacimiento italiano.
Símbolo de la riqueza y del poder de la capital toscana
durante los siglos XIII y siglo XIV,
la catedral florentina es uno de los edificios más grandes de la cristiandad.
Su nombre se traduce como Santa María de la Flor se refiere al lirio,
símbolo de Florencia, o al antiguo nombre del pueblo llamado Fiorenza.
Pero, por otra parte, un documento del siglo XV
afirma que la «flor» se refiere a Cristo.
Destaca, de forma singular, la grandiosa cúpula de Brunelleschi,
[]una estructura
isostática de 100 metros de altura interior; 114,5 metros de altura exterior;
45,5 metros de diámetro exterior y 41 metros de luz (diámetro interior) con la
particularidad de que esta cúpula, en sí misma, anula los empujes horizontales
para no transmitir al tambor que la sustenta prácticamente más cargas que las
verticales correspondientes a su propio peso.[] A la cúpula hay que añadir el campanario
independiente del Giotto,
de 82 m de altura, y el baptisterio de San Juan,
construido en Florencia después de la Basílica de Santa Cruz y Santa María Novella con las famosas puertas de
bronce de Ghiberti. El conjunto, formado por la iglesia,
el campanario y el Baptisterio de San Juan,
en el centro de la ciudad, constituye una de las joyas artísticas y
arquitectónicas de Florencia.
HOSPITAL DE LOS
INOCENTES
El Spedale degli Innocentien en
español significa: Hospital de los Inocentes fue un orfanato de
niños de Florencia,
diseñado por Filippo Brunelleschi[][] , quien recibió el encargo en 1419. Está considerado un
notable ejemplo de la arquitectura del primer renacimiento italiano. El
hospital, con una galería frente a la Plaza della Santissima Annunziata, fue
construido y dirigido por el "Arte della Seta" o Gremio de la Seda de
Florencia.[] Este
gremio era uno de los más ricos de la ciudad y, como la mayor parte de las
cofradías, asumía obligaciones filantrópicas.
El diseño de
Brunelleschi se basó tanto en la arquitectura de la Antigua Roma
como en la arquitectura gótica tardía. La galería o logia era un tipo de
construcción bien conocido, como la Loggia dei Lanzi. Pero el
uso de columnas redondas con capiteles de corrección clásica, en este caso de orden
compuesto era una novedad, lo mismo que los arcos circulares y las
cúpulas esféricas tras ellas. Los elementos arquitectónicos estaban articulados en piedra gris que destaca
contra el blanco de las paredes. Este motivo se llegó a conocer como pietra
serena (significa "piedra oscura"). También era novedad la lógica
proporcional. La altura de las columnas, por ejemplo, no es arbitraria; si se
traza una línea horizontal a lo largo de lo alto de las columnas, se crea un
cuadrado con la altura de la columna y la distancia de una columna a la
siguiente. Esta ansia de regularidad y orden geométrico se convertiría en un
importante elemento en la arquitectura renacentista.En la actualidad este es utilizado como un pequeño museo
de arte renacentista.
Capilla
Pazzi
A la Capilla Pazzi se
accede desde el claustro de la basílica de la Santa Croce
(Florencia)
ya que se encuentra ubicada en el jardín de ésta. Encargada por la familia Pazzi en 1441 a Filippo Brunelleschi, fue su última obra.
Edificio de pequeñas dimensiones y con un pórtico cubierto por bóveda
de planta circular que mediante el uso de pechinas crea una bóveda de paraguas,
que se construyó como recinto funerario de los Pazzi. Brunelleschi emplea la
medida de la proporción áurea (ya empleada anteriormente por los griegos en sus
templos) en el diseño de su planta y fachada.
Planta rectangular con cúpula central y pórtico. Su fachada es un
pórtico de cinco tramos entre seis columnas de orden
compuesto, los cuatro extremos adintelados y
el central en forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de
doble anchura, que se cubre por una bóveda de cañón. Sobre tal pórtico se alza
un ático decorado con pilastras
corintias
y seccionado por el gran arco del centro, que se corona en una cornisa
muy ornamentada.Combina
el adintelado griego con el arco central de origen romano, serviría para
suavizar la luz. Arriba sobresale la cúpula con su linterna. Esta organización
del pórtico en el que combina felizmente la disposición adintelada con el arco
central, supone una innovación que ha de ser modelo o fuente de inspiración
para numerosos arquitectos.
Una capilla donde se coloca el altar, ornamentada con pilastras
adosadas con acanaladuras y bóvedas de cañón con casetones.
El pórtico
combina arco central con vanos adintelados (serliana) y frisos a base de tondos y estrigilos.
El interior sirvió de modelo a Miguel Angel
para la sacristía
Nueva de la basílica de San Lorenzo,
iglesia reformada en 1421 por el mismo Brunelleschi a la que añadió su primera
capilla, la Sacrestia Vecchia.
DONATO D'ANGELO BRAMANTE
Donato di Pascuccio d'AntoniooDonato di Angelo di Antonio, conocido
comoBramante(Fermignano,c.1443/1444 -Roma,1514) fue un pintor yarquitectoitaliano, que
introdujo el estilo delprimer RenacimientoenMilány el «Alto
Renacimiento» enRoma, donde su obra más
famosa fue el planeamiento de laBasílica de San Pedro.
Tuvo una formaciónquattrocentistapero su plenitud artística la alcanza
en elsiglo XVI.
Su arquitectura está caracterizada por la severidad y el uso de planta central
cubierta con cúpula.
TEPLETE DE SAN PIETRO
IN MONTORIO
Fue encargado por losReyes
Católicospara
conmemorar laToma de
Granadaen1492, levantándose en el
lugar donde según la tradición fue martirizadoSan Pedro.
Se considera esta obra
como el manifiesto de la arquitectura del clasicismorenacentista,
dada su pureza de líneas y austeridad decorativa.
El templete fue
realizado engranito,mármol,travertino,
con acabados deestucoyrevoco.
La edificación es de
planta circular, e imita a losmartyriaorientales, pues de hecho es unmartyrium. Dispone de una
columnata que envuelve a lacella, cubierta por una cúpula
semiesférica. Esta columnata conforma unperistilo.
También hay una clara referencia a la cultura griega en la forma circular, como
untholosgriego.
El templete se erige
sobre una escalinata seguida de un corto podio sobre el que se eleva la
columnata deorden dóricoo dórico romano, rematado por unentablamentodórico (metopasytriglifos),
coronado por unabalaustrada.
Tiene en total 48 metopas donde había representada una figura de busto repetida
cuatro veces. El muro de lacella,
con dos cuerpos, tiene un muro exterior decorado con nichos de remate
semicircular, de concha de venera, que alternan con vanos adintelados(puertas y ventanas), separados por
pilastras, cada una de las cuales se corresponde con una de las columnas del
peristilo.
Esta decoración se
dispone rítmicamente, partiendo de la disposición de tres puertas y el altar,
situados en los extremos de dos ejes de la planta circular, que se cruzan
perpendicularmente a modo decardoydecumano;
cada paño de muro situado entre dos puertas está ornado a su vez mediante un
vano (ventana central flanqueada por dos nichos). Bramante parte de un módulo
que no es una medida sino una forma: el cilindro, pues cilíndricas son las
columnas, pórtico, balaustrada, cella y tambor.
Justo debajo del altar
mayor está la cripta, donde supuestamente estaba clavada lacruz de San
Pedro.
LA BASILICA DE SAN
PEDRO
La basílica de San Pedro, en la Ciudad del
Vaticano, que fue construida, entre otros, por el arquitecto italiano Donato
Bramante, quien falleció un 11 de marzo de 1514, es considerada como la más
grande iglesia de la cristiandad.
Esta
construcción, que abarca una superficie de dos hectáreas y cuya altura es de
casi 45 metros, es el lugar en donde reposan los restos de San Pedro, uno de
los doce apóstoles e Jesús de Nazaret, y el primer obispo de Roma, por lo
tanto, considerado el primer papa de la historia.
El
plan de reconstrucción de la basílica de San Pedro se inició a finales del
siglo XV, a cargo de los arquitectos León Battista y Bernardo Rossellino,
quienes hicieron algunos de los cambios más importantes, como los techos abovedados,
que retomó Bramante en 1506.
El
plan de Bramante consistió en un edificio con planta en forma de cruz griega,
cuatro cúpulas en cada extremo de la cruz, siendo el centro de ésta en el que
reposaría la cúpula más grande, y la demolición de algunos muros de la antigua
catedral, que le valió una mofa de algunos de sus colegas. Finalmente, y
después de que en el proceso de construcción también participaran arquitectos
como Miguel Ángel Bounarroti y Carlo Maderno, entre otros, el papa Urbano VIII
la consagró en 1626, año en el que se dieron por concluidas formalmente las
obras, a pesar de que aún restaban algunos detalles.
A
pesar de que no se conoce la fecha exacta del nacimiento de Donato d’Angelo
Bramante, los historiadores coinciden en que ocurrió hacia 1444, en la actual
localidad Fermignano, enclave cercano a Urbino, en Italia.
La
obra del arquitecto italiano Donato Bramante se sitúa entre los periodos
Quattrocento y Cinquecento del arte italiano. Sin embargo, consideran los
expertos que sus mejores trabajos se producen cuando abandonó estas tendencias
y experimentó con la plasticidad de la masa, la ordenación del espacio y el
contraste en los volúmenes.
ANDREA PALLADIO
Nace
el 30 de noviembre de 1508 en Padua. Comienza su formación como aprendiz a la
edad de trece años en el taller del arquitecto y maestro cantero Bartolomeo
Cavazza da Sossano. En 1524 pasa a Vicenza donde es admitido en el taller de
Giovanni di Giacomo da Porlezza, en Pedemuro. En 1534 alcanza el cargo de
oficial en dicho taller.
A
principios de 1538 conoce al conde Giangiorgio Trissino, intelectual reconocido
de la época, a través del cual Palladio se relaciona con los más notables
personajes de la ciudad y gracias a quien puede completar su formación.
Sólo
a partir de sus cuarenta años se le conoce a Palladio actividad como arquitecto
propiamente dicho. Durante esos años realiza varias villas señoriales en
Vicenza y se adjudica el palacio Thiene. En 1549 es nombrado arquitecto mayor
de la Basílica (el Palazzo della Ragione de la ciudad) y toma a su cargo la
realización de las logias. A la muerte de Trissino, y bajo el alero de un nuevo
mentor, el veneciano Daniele Barbaro, Palladio extiende su práctica a la ciudad
de los canales.
En
1556 funda en Vicenza la Academia Olímpica. En 1566 es admitido como miembro de
la Accademia del Disegno en Florencia. En 1570 ocupa el cargo de arquitecto
consejero de Venecia, sucediendo a Jacopo Sansovino (1486-1570). Sus últimas
obras son el Teatro Olímpico y la capilla para la familia Babaro, en Maser
(Treviso).
Andrea
Palladio muere en Vicenza el 19 de agosto de 1580, a la edad de 71 años.
LA BASILICA PALLADIANA
La
Basílica Palladiana es un edificio renacentista situada en la Piazza dei
Signori en Vicenza, localidad situada al Noreste de Italia. Su elemento
arquitectónico más importante es la logia que posee y que constituye uno de los
primeros ejemplos de lo se conoce como ventana palladiana dentro de la
arquitectura del mismo nombre.
El
edificio fue originalmente construido en el siglo XV y era el Palazzo della
Ragione de la ciudad, la sede del gobierno ciudadano y de los tribunales.
Cuando parte del mismo se vino abajo en el siglo XVI, un consejo de cien
personas entre las que se encontraban numerosos arquitectos designó a Andrea
Palladio para la reconstrucción del mismo en 1549. Palladio añadió un nuevo
armazón exterior de mármol, una logia y un pórtico que ahora oscurecen el
original diseño gótico de la basílica.
Palladio
dedicó el resto de su vida, entre otros proyectos, a la finalización de la basílica
la cual no se dio por concluida hasta 1614, treinta y cuatro años después de la
muerte del aquitecto.
El
edificio en la actualidad se utiliza para albergar exhibiciones y otros eventos
cívicos en la ciudad de Vicenza.
VILLA GODI
Es
uno de los primeros proyectos de A. Palladio, el primero documentado con
seguridad, en cuanto que viene documentado en el tratado del propio arquitecto
Los cuatro libros de arquitectura. La obra fue encargada por los hermanos
Girolamo, Pietro y Marcantonio Godi, se comenzó en 1537 y acabó en 1542, con
modificaciones posteriores de la entrada trasera y los jardines.
Con
toda probabilidad no se trató de un encargo autónomo, sino más bien de una obra
obtenida en el taller de Gerolamo Pittoni y Giacomo da Porlezza, en el cual el
joven Andrea tenía el papel de especialista de arquitectura. En realidad, las
labores de reforma de la propiedad de la familia comenzaron ya en 1533 por
voluntad del padre Enrico Antonio Godi, con la construcción de una barchessa dórica
en el patio de la izquierda.
Villa
Godi marca la etapa inicial del intento de construir una nueva tipología de
casa de campo, en la que es evidente la voluntad de entretejer temas derivados
de la tradición constructiva local con los nuevos conocimientos que Palladio
estaba adquiriendo poco a poco gracias a la ayuda de Giangiorgio Trissino.
La
villa y los amplios jardines están abiertos al público por la tarde, a lo largo
de todo el año. El edificio también alberga un museo de arqueología en el
sótano, con cientos de fósiles de plantas y animales de la región. Su gran
parque fue planeado en el siglo XIX y se usó como localización de la película
Senso.
MASACCIO
Nació
en Castel San Giovanni, hoy San Giovanni Valdarno, el 21 de diciembre de 1401,
hijo del notario Giovanni di Mone Cassai y de su esposa Jacopa di Martinozzo.
El apellido Cassai procede del nombre de la actividad a que se dedicaba la
familia paterna de Masaccio: eran ebanistas (en italiano, cassai).
En 1406, coincidiendo con el nacimiento del segundo hijo del matrimonio,
Giovanni que recibiría luego el sobrenombre de «el Scheggia»,
muere el padre. La madre volvió a contraer matrimonio con el mercader de
especias Tedesco di Mastro Feo, también viudo, y con dos hijas, que murió el 7
de agosto de 1417.
Masaccio
se trasladó a Florencia entre 1417 y 1421, tal vez a causa
de la muerte de su padrastro. Existen documentos que demuestran que la madre de
Masaccio alquiló una casa en esta ciudad, en el barrio de San Niccolò Oltrarno,
seguramente como vivienda para su hijo, ya que ella continuó viviendo en casa
de su difunto marido. Es posible que el joven artista comenzara su andadura en
Florencia en el taller de Bicci
di Lorenzo o en el de algún otro. El 7 de enero de 1422 se inscribió
en el Arte (gremio) de médicos y especieros, lo cual indica que ejercía ya como
pintor autónomo en la ciudad del Arno.
Su
primera obra segura es el tríptico para
San Juvenal de Casia, que lleva la fecha, en la tabla central, de 23 de abril
de 1422: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE D’AP[RILE]. Es posible, según
da a entender Vasari, que en 1423 Masaccio realizase un viaje
a Roma, con
motivo del jubileo. En 1424 se inscribió en la Compañía de San Lucas de
Florencia. Posiblemente este año o en 1425 comenzó a colaborar con Masolino en
los frescos de la capilla Brancacci de la iglesia de Santa María del Carmine de dicha
ciudad. En febrero de 1426 empezó el Políptico de Pisa, trabajo que
le ocuparía durante casi todo el año.
En
1428 se trasladó a Roma, invitado por el cardenal Brando da Castiglione para
decorar la capilla de San Clemente en la iglesia homónima. En Roma trabajó en
el Políptico de Santa María Mayor, del cual se conservan los «Santos Jerónimo y
Juan Bautista» (actualmente en la National Gallery de Londres). Murió
en Roma en otoño de 1428, cuando contaba sólo veintisiete años de edad. Algunas
fuentes antiguas mencionan el rumor de que fue envenenado.
LA
EXPULSIÓN DE ADÁN Y EVA DEL PARAÍSO TERRENAL
La
expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal(enitaliano,Cacciata dei progenitori dall'Eden) es
unfrescorealizado por el destacado artista del primer
RenacimientoMasaccio. El fresco se
encuentra pintado sobre la pared de laCapilla Brancacci, en la iglesia de Santa
María del Carmineen
Florencia, Italia. Representa una famosa escena en laBiblia,la expulsión del Paraísoque se narra enGénesis, 3, aunque con algunas diferencias en relación con el relato canónico.
TRÍPTICO DE SAN JUVENAL
El tríptico de San Juvenal era
una obra desconocida de Masaccio, no mencionada por su biógrafo Giorgio
Vasari, que fue descubierta en 1961. La pintura se compone de tres
tablas: la central representa a la Virgen con el Niño, flanqueados por dos
ángeles; en los paneles laterales aparecen parejas de santos: San Bartolomé y San Blas en
el de la izquierda, y San Juvenal y San Antonio
Abad en el de la derecha. En la tabla central figura la
inscripción que ha permitido datar la obra: ANNO DOMINI MCCCCXXII A DI VENTITRE
D’AP[RILE]. La composición está construida de acuerdo con las leyes de la perspectiva:
las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de
fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen, que sostiene los
pies del Niño.
PAOLO UCCELLO
Paolo Uccello (Pratovecchio/Florencia, 15 de junio de 1397 - Florencia, 10 de
diciembre de 1475), nacido Paolo
di Dono fue un pintor cuatrocentista y matemático italiano que
destacó por su obra pionera en la perspectiva visual
en el arte. Giorgio Vasari en sus Vidas de los
artistas escribió que Uccello «se complació en investigar
los complicados mecanismos y las extrañas obras del arte de la perspectiva», subrayando
su rasgo más distintivo, esto es, el interés, casi obsesivo, por la
construcción en perspectiva. Esta característica, junto con la adhesión al
clima fabuloso del gótico internacional, hace de Paolo
Uccello una figura de límites entre dos mundos figurativos, siguiendo un curso
artístico entre los más autónomos del Quattrocento.
Usó la perspectiva para crear un sentimiento de profundidad en sus pinturas y
no, como sus contemporáneos, para narrar historias diferentes o que se suceden
en el tiempo. Sus obras más conocidas son las tres pinturas que representan la
batalla de San Romano (durante largo tiempo a estas tres pinturas se les llamó,
equivocadamente, la "Batalla de Sant' Egidio de 1416").
Paolo
trabajó en la tradición gótica tardía, y enfatizaba el color y el
boato más que el realismo clásico que otros artistas estaban promoviendo. Su
estilo se describe mejor como idiosincrásico, y no dejó ninguna escuela de seguidores.
Tuvo cierta influencia en el arte del siglo XX (incluyendo el pintor neozelandés Melvin Day) y la crítica literaria (esto
es, en las "Vies imaginaires" por Marcel Schwob,
"Uccello le poil" por Antonin
Artaud y "O Mundo Como Ideia" de Bruno Tolentino).
BATALLA DE SAN ROMANO
La batalla de San Romano
o La derrota
de san Romano (en italiano, Battaglia di san Romano) es un tríptico
o conjunto de tres pinturas, obra del pintor italiano Paolo Uccello.
Está realizado con temple al huevo sobre tabla
y actualmente se conserva disperso en tres museos: National Gallery de Londres, Louvre de París
y Galería de los Uffizi de Florencia.
En
este tríptico,
como en otras obras del mismo artista, se presentan mezclados elementos medievales
y renacentistas
como, por ejemplo, el tratamiento escultórico de los volúmenes y los escorzos
de las figuras con variadas perspectivas, junto a otro elementos de
tradición gótica, como los colores brillantes y el refinamiento decorativo en
particular de las figuras y del paisaje, la perspectiva es dada por las lanzas
de los combatientes.
Las
figuras de los hombres y de los animales son geométricas y precisas, aunque
irreales como los colores que usa: los caballos son rojos, blancos y azules.
Esa luz y colores irreales puede que estén inspirados en algún relato
caballeresco. También describe con minuciosidad las suntuosas armaduras de los
soldados; para colorearlas, Uccello usó un compuesto que ha resultado dañado
con el paso del tiempo.
MONUMENTO FUNERARIO A SIR JOHN HAWKWOOD
El
Monumento
Funerario (o Monumento Ecuestre) a Sir John Hawkwood es un fresco de Paolo Uccello,
en conmemoración al condotiero inglés John Hawkwood,
encargado en 1436 por la Basílica de Santa María del Fiore de Florencia.
La importancia del fresco reside en que es un importante ejemplo del arte
conmemorativo al soldado mercenario en la Península italiana y es un trabajo
seminal en el desarrollo de la perspectiva
en el arte.
El
fresco
suele ser citado como una forma de "propaganda
florentina" por la apropiación de soldados extranjeros como héroes
florentinos. Esto implicó la promesa de los otros condotiero
a conseguir un potencial premio por servir a Florencia.
El fresco también ha sido interpretado como un producto de competición interna
política entre los Albizzi y los Médici,
familias del Renacimiento florentino.
El
fresco es el trabajo más antiguo que se puede adjudicar a Uccello,
desde el conocimiento relativo de su carrera comparando los períodos previos a
esta creación y a los posteriores. El fresco fue restaurado (una vez por Lorenzo de Credi, quién
añadió el marco).
FRA ANGÉLICO
Fra Angélico es el nombre
con el que se conoce a Guido (o Guidolino) di Pietro da Mugello, pintor
italiano que compaginó su vida de fraile dominico con la de pintor religioso.
En 1407 Fra Angélico entró en el convento de los dominicos de Fiesole, donde
tomó el nombre de Fra Giovanni de Fiesole. Considerado discípulo de Lorenzo
Monaco, pintor que conreó el estilo gótico internacional, hacia el 1438 empezó
a decorar el convento de San Marco, en Florencia. En 1447 se fue a Roma, donde
inició la decoración de la capilla de Nicolás V, en el Vaticano. Del 1448 al
1450 fue prior del convento de Fiesole, aunque continuó trabajando como pintor
en Florencia y Roma.
Fraile antes que pintor, Fra Angélico represento el
enlace con el gótico en Florencia. Su sentido curvilíneo y sus colores dorados
recuerdan el estilo internacional y a la escuela de Siena. Pero la concepción
que tiene del volumen expresa la irrupción de un nuevo elemento en la
pintura.Sus obras, hechas en colaboración con sus discípulos, a menudo frailes
compañeros suyos, se basaban en esquemas miniaturistas heredados de su maestro
Lorenzo Monaco, lo que hace de Fra Angélico un artista de fondo medieval.
Incluso así, su ideología se expresaba con un lenguaje pictórico moderno, que
encontró en la pintura revolucionaria de Masaccio.
LA ANUNCIACIÓN
Pintada
en temple sobre tabla entre 1430 y 1435 para la iglesia
del convento de Santo Domingo de Fiesole (Italia), actualmente se conserva en el Museo
del Prado de Madrid.
De
ella comenta Vasari en su Vitas:
En
una capilla de la iglesia de Santo Domingo, de Fiesole, hay de su mano, en una
tabla, la Anunciación del arcángel; parece un trabajo realizado en el cielo. En
el fondo del paisaje se ve Adán y Eva, que fueron causantes de que la Virgen
encarnase al Redentor.
Vendida
por los frailes a Mario Farnese en 1611 para sufragar los gastos de la construcción del campanario
de la iglesia, poco después este príncipe italiano la enviaba como regalo al
valido del rey Felipe III, Francisco Gómez de Sandoval, duque de
Lerma. Aunque la pieza se depositó en la Iglesia de los dominicos en Valladolid
(Iglesia conventual de San
Pablo), panteón de la Casa de Lerma, poco después se remitía al Convento de las Descalzas
Reales de Madrid, donde se conservó hasta mediados del siglo XIX.
Precisamente en su claustro alto la descubriría el pintor Federico
Madrazo, a la sazón director del Museo del Prado, quien, tras no pocas
gestiones conseguía que el rey consorte don Francisco de Asís se interesara por
su traslado al Prado, consintiendo la priora del monasterio, que recibió a
cambio otra Anunciación pintada
por el propio Madrazo. Remitida al Museo como donación real el 16 de junio
de 1862, desde ese
momento se ha constituido en una de sus piezas más relevantes y conocidas.
LA CORONACIÓN DE LA
VIRGEN
Esta
tabla es una sinfonía cromática, hecha con valores puros que se combinan y
oponen de manera armónica, regidos por una teoría caracgerística del autor que
consiste en la alternancia de gamas azules y rojas. Los grupos de ángeles,
apóstoles, santos y profetas reunidos en torno de la figura mariana orquestan
esta sinfonía de color, en la que se engastan los oros del fondo, de las
aureolas y de los ropajes.
Los rostros han sido moldeados con suavísimas
gradaciones de sombra y construidos con líneas de dibujo finas y precisas que
poseen calidades miniaturísticas en los cabellos. Existe, así mismo, un interés
para dar entidad corpórea a las representaciones, valorando los volúmenes de
los vestidos con un procedimiento realista. Fue ejecutada para el hospital de
Santa María Nuova. Poemos comprobar cómo aplica los nuevos métodos de Masaccio,
pero con la finalidad de expresar las ideas tradicionales del arte religioso.
El arte de la perspectiva no tenía secretos para él (como se pone en evidencia
en los frescos del Monasterio de San Marcos de Florencia). Pero su propósito no
era el de presentarnos el cuadro como una "ventana", sino el de representar
la escena religiosa en toda su belleza y simplicidad. Casi no hay movimiento ni
sugestión de sólidos cuerpos reales en la pintura de Fra Angélico. Pero es
mucho más emotiva por su humildad, que es la de un gran artista que
deliberadamente renuncia a cualquier demostración de modernidad.
La
postura que adopta Fra Angélico es tradicionalista y ecléctica.
Le interesa
primordialmente utilizar el medio de expresión plástico con finalidad didáctica
y apologética. La exaltación del dogma le lleva a concebir una composición
monumental que exalta el episodio de la coronación mariana. El propósito se
realiza sobre una tabla que en su parte superior presenta un saliente
trapezoidal, que sirve para acoger el baldaquino arquitectónico del trono,
donde está sentada la figura divina, con la Virgen arrodillada ante ella. En
este nivel, conseguido por el escalonamiento piramidal de peldaños marmóreos de
distintos colores, aparece una cohorte de ángeles músicos; en los planos bás
bajos de la escalera hay una sucesión de santos y santas que se cierra en el
nivel inferior con figuras arrodilladas sobre el mosaico de mármol. Cada uno de
estos personajes ha sido descrito con precisión, poniendo de relieve una
técnica preciosista y una gran erudición hagiográfica. El oro se utiliza con profusión
en las indumentarias, el revestimiento del trono, lo que revela en el autor una
despreocupación por la moda pictórica de su tiempo que, con el deseo de romper
con la tradición anterior, prescindía de este recurso. El rítmico plegado de
los ropajes, ajustado a un esquema simétrico, nos hace pensar en reminiscencias
del arte medieval.
SANDRO BOTTICELLI
Nació
el 1 de marzo de 1445 en Florencia, en el seno de una familia humilde de
artesanos. Botticelli fue el apodo de su hermano mayor, Giovanni, cuya obesidad
provocó que se llamara "tonelete" y por extensión a todos los
miembros de su familia.
Fue
discípulo de Fra Filippo Lippi, también trabajó con el pintor y grabador
Antonio del Pollaiuolo, del que aprendió el dominio de la línea, y además recibió
gran influencia de Andrea del Verrocchio. Hacia 1470 ya tenía su propio taller.
Dedicó
casi toda su vida a los retratos, entre los que destacan: Retrato de Giuliano
de Medici (1475-1476, Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.) y La
adoración de los Magos (1476- 1477, Galería de los Uffizi, Florencia) que
contiene personajes con rasgos muy parecidos a los de la familia de los Medici.
Estuvo influenciado por el neoplatonismo cristiano, que pretendía conciliar las
ideas cristianas con las clásicas, esto se observa en La primavera (c. 1478) y
en El nacimiento de Venus (posteriores a 1482), creadas para una de las villas
de la familia Medici. Dentro de este ámbito también destaca la serie de cuatro
cuadros Nastapio degli Honesti (Museo del Prado, Madrid), donde recrea una de
las historias del Decamerón, de Boccaccio.
Sandro
Botticelli falleció el 17 de mayo de 1510.
LA PRIMAVERA
La
primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro
Botticelli. Está realizado al temple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto
y 314 cm de ancho.
Es
una obra impregnada de cultura humanística y neoplatónica de la corte de
Lorenzo el Magnífico. Tiene un tono de narración situada fuera del tiempo real.
Se presenta una atmósfera de fábula mitológica en la que se celebra una especie
de rito pagano. Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito
pagano de primavera.
La
crítica no se muestra de acuerdo sobre su exacta alegoría. Se debate sobre su
significado y por consiguiente el título. Si por un lado se produce un cierto
acuerdo sobre la individualización de alguno de los nueve personajes
representados, hay discusiones que han nacido a lo largo de los años, en
particular a partir de la segunda mitad del siglo XIX, sobre los referentes literarios
más específicos y los significados que esconde la obra.
EL NACIMIENTO DE VENUS
El
nacimiento de Venus 1483-1484 (en italiano: Nascita di Venere), es una pintura
de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de
las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y
mide 278.5 centímetros de ancho por 172.5 cm de alto. Se conserva en la Galería
de los Uffizi, Florencia.
En
cuanto a la técnica utilizada en este magnífico cuadro es el temple sobre el
lienzo.Este cuadro posee una estructura piramidal,y el personaje central es el
que capta toda la atención y hacia él convergen el resto de figuras. Los
personajes son ligeros,esbeltos,sinuosos y sensuales y nos da una sensación de
ingravidez.Posee una gran amalgama de colores claros que va desde el rojo a tonos
azules,marrones claros...
Podemos
decir que le tema principal es la belleza como un ideal inalcanzable,algo que
pertenece al mundo de las ideas pero no en el mundo real.
En
el centro de la pintura encontramos a la diosa desnuda sobre una concha.Su
concepción anatómica nos revela un alto grado de idealización(cuello demasiado
largo y hombros demasiados estrechos).Su posición de equilibrio es el
contraposto.Todo la escena se ve enmarcada sobre un paisaje de naturaleza
solitaria,acorde con la belleza de la diosa.
El
dibujo lineal de los contornos,tanto en la figura como en el paisaje nos ayuda
a distinguir con nitidez la figura del fondo y a la vez la estiliza y suaviza.
La
luz del cuadro es uniforme en casi toda su superficie sin claroscuros.
ANDREA MANTEGNA
Nació
en Isla de Carturo, un burgo en las cercanías de Padua, pero que en la época
pertenecía al condado de Vicenza. A los 10 años comienza a trabajar en el
taller de pintura de Francesco Squarcione en Padua. A los 17 años se
independiza, cansado de que su talento artístico sea apropiado por su
mantenedor.
En
aquellos momentos Padua hierve como un lugar especialmente propicio para el
arte de Mantegna. Él frecuenta los anticuarios de la ciudad, presta especial
atención a la pintura y el arte de la antigua Roma y va perfilando su propio
estilo. Sus primeros trabajos importantes los realiza en la capilla de San
Jacopo y San Cristoforo de los Ovetari (iglesia de los Eremitani de Padua),
junto con Ansuino da Forli, perdidos en su mayor parte tras los bombardeos
sobre la ciudad en la Segunda Guerra Mundial.
La
figura humana clásica será una de sus obsesiones, y reflejará en sus obras
cuerpos de perfectas proporciones, sólidos y de gran expresividad. Donatello
será su influencia en este periodo llamado «pétreo». Los primeros años del
siglo XVI estarán claramente influenciados por Mantegna en toda la pintura
italiana.
SAN SEBASTIÁN DE VIENA
Se
ha sugerido que el cuadro fue realizado después de que Mantegna se recuperase
de la peste en Padua (1456–1457). Probablemente fue encargo del podestà de la
ciudad para celebrar el fin de la peste, fue acabada antes de que el artista
dejara la ciudad para ir a Mantua.
Según
Battisti, el tema se refiere al Libro de la Revelación. Un jinete está presente
en las nubes en la parte superior izquierda. Como se especifica en la obra de
san Juan, la nube es blanca y el jinete tiene una guadaña, que él estaba usando
para cortar la nube. El jinete ha sido interpretado como Saturno, el dios
grecorromano: en los tiempos antiguos, Saturno fue identificado con el Tiempo
que pasaba y dejaba todo destrozado detrás de si.
SAN SEBASTIÁN DE LUOVRE
El
San Sebastián del Louvre fue
una vez parte del retablo de San Zenón en Verona. A finales
del siglo XVII o principios del XVIII se documentó en la Sainte Chapelle de Aigueperse, en la región de Auvernia en Francia: su
presencia allí está relacionada con el matrimonio de Chiara Gonzaga, hija de Federico I de Mantua, con Gilbert de Bourbon, Delfín de Auvernia (1486).
El
cuadro presumiblemente ilustra el tema del Atleta de Dios, inspirado por un sermón espurio
de san Agustín. El santo, de nuevo atado a un arco
clásico, es observado desde una perspectiva baja, inusual, usada por el artista
para reforzar la impresión de solidez y dominio de su figura. La cabeza y los
ojos vueltos hacia el cielo confirman la firmeza de San Sebastián al
sobrellevar su martirio. A sus pies se muestran dos personas malvadas
(representadas por un dúo de arqueros): se pretende que creen un contraste
entre el hombre de fe trascendente, y aquellos quienes sólo son atraídos por
goces profanos.
LAMENTO SOBRE CRISTO
MUERTO
Ludovico
Gonzaga sería sucedido al frente de la corte de Mantua por su hijo Federico,
quien contaría igualmente con Mantegna como pintor de cámara, siéndole
encargados numerosos empeños destinados, la mayoría de ellos, a completar la
adecuación y modernización del trecentesco Palacio Ducal de acuerdo con nuevas
modas imperantes.
De
este periodo dataría el célebre lienzo del Lamento sobre Cristo Muerto, obra
hoy depositada y expuesta en la Pinacoteca Brera de Milán pero que, en origen,
es posible que fuese destinado a la propia Cámara de los Esposos.
En
el Cristo Muerto, Mantegna pone sobre la mesa de manera definitiva lo que serán
las señas de identidad de su obra durante su madurez, como es el virtuosismo en
el estudio de la perspectiva, el profundo conocimiento de los volúmenes del
cuerpo humano, así como la capacidad de captar con enorme realismo hasta el más
mínimo detalle.
LEONARDO DA VINCI
Leonardo nació en Anchiano, cerca de Vinci, Italia;
antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en
Europa, por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre (Ser Piero) y
la localidad de nacimiento siendo entonces "Leonardo di ser Piero da
Vinci". Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como
Leonardo o Io, Leonardo (yo Leonardo), es decir, sin emplear el nombre de su
padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo.
Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan
pronto como su padre los mostró al pintor Andrea del Verrocchio este tomó al
joven de catorce años como aprendiz. Posteriormente Leonardo montó su propio
taller como pintor independiente en Florencia.
Falleció una semana antes de su 67 cumpleaños en
Cloux, Francia, en 1519 en los brazos del rey Francisco. De acuerdo a sus
deseos, 60 mendigos siguieron su ataud. Fue enterrado en la capilla de
Saint-Hubert en el castillo de Amboise. Melzi fue su principal heredero y
albacea, pero Salai no fue olvidado: recibió la mitad del viñedo de Leonardo.
LA GIOCONDA
El cuadro La Gioconda (La Joconde en francés), también
conocido como La Mona Lisa, es una obra pictórica de Leonardo Da Vinci.
Adquirida por el rey Francisco I de Francia a principios del siglo XVI, desde
entonces es propiedad del Estado Francés, y actualmente se exhibe en el Museo
del Louvre de París.
Su nombre oficial es Gioconda (alegre, traducido del
italiano al castellano), en honor a la tesis más aceptada acerca de la
identidad de la modelo: la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, al que
debe su apodo y que realmente se llamaba Lisa Gherardini.
Es un óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, pintado
entre 1503 y 1519,1 y retocado varias veces por el autor. Se considera el
ejemplo más logrado de sfumato, técnica muy característica de Leonardo, si bien
actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento de
los barnices. El cuadro está protegido por múltiples sistemas de seguridad y
ambientado a temperatura estable para su preservación óptima. Es revisado
constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
Además, se han usado herramientas tecnológicas para la
investigación de enigmas que rodean la obra. Por medio de estudios históricos
se ha determinado que la modelo podría ser una vecina de Leonardo, que podrían
conocerse sus descendientes y que la modelo podría haber estado embarazada.
Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios
interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo
cual genera más curiosidad entre los admiradores del cuadro.
La fama de esta pintura no se basa únicamente en la
técnica empleada o en su belleza, sino también en los misterios que la rodean.
Además, el robo que sufrió en 1911, las reproducciones realizadas, las
múltiples obras de arte que se han inspirado en el cuadro y las parodias
existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro más famoso del
mundo, visitado por millones de personas anualmente.
LA ÚLTIMA CENA
Es una pintura mural situada en una pared del
refectorio del convento dominicano de Santa María delle Grazie en Milán y
requirió diez años de preparación por parte de Leonardo da Vinci. Fue encargado
por Ludovico Sforza, duque de Milán.
Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya
que este sistema le parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar
con óleo sobre el yeso seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo
deterioro de La Última cena, provocando numerosas restauraciones.
La pintura refleja el momento de la última cena en el
que Jesús anuncia que entre los discípulos hay un traidor. Se forman cuatro
grupos de tres personajes donde cada uno plasma una emoción humana: estupor,
ira, miedo...
Varias inundaciones acaecidas en Milán, entre otras
situaciones contribuyeron al deterioro de la obra.
Es sabido que Leonardo utilizó personas reales como
modelos para los personajes del mural. Incluso se retrató a sí mismo el segundo
empezando por la derecha como se puede ver en la imagen.
Miguel Ángel
Sin duda la enemistad entre Leonardo y Miguel Ángel es
famosísima, y más patente se hizo cuando Leonardo dijo que los escultores
parecían panaderos por estar todo el día cubiertos de polvo blanco…
El estilo artísticoutilizado en es la escultura es el Renacimiento exactamente en la época
del Cinquecento en los
años 1501-1504, también se utiliza la
mármol dándole forma mediante cincel. Para su
realización Miguel Ángel recibió un bloque de mármol, estrecho y muy alto, que
llevaba abandonado muchos años en la catedral de Florencia, mide 4.34m de
altura incluyendo el pedestal.
Hasta 1947 estuvo en la Plaza de la
Señoría, pero dado que se erosionaba mucho se trasladó a la galería. En la plaza
hay una copia.
Miguel Ángel representa a David,
personaje bíblico, de gran tamaño y al estilo clásico: completamente desnudo y
como atleta, que porta en su mano izquierda una honda la cual se encuentra
apoyada sobre su hombro y, en la derecha, una piedra. Son claramente apreciables
los rasgos del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el
contrapposto de la figura, es decir rompe la ley de la
frontalidad.
Detalles de la
imagen
Representación: Miguel Ángel
representa al David, a la espera del gigante Goliat.
Se lo nota en reposo, concentrado, la
mitología cuenta que David fue un pastor que se enfrentó a Goliat con una honda
únicamente. Le lanzó una piedra a la cabeza y después de que cayera, le decapitó
con su espada. Al vencerlo, fue proclamado rey del pueblo de
Israel.
Honda: Esta se encuentre en su mano
izquierda, apoyado sobre su hombro. Es la representación del momento de calma y
de concentración, antes de la lucha.
Piedra: Si la honda en su hombro
representa el momento de concentración, en la mano derecha se puede ver una
piedra, que simboliza el momento de espera de Goliat, preparándose para la gran
batalla.
Mirada: Miguel Ángel elige el momento
anterior a la batalla no de forma casual. Se trata de buscar un ideal, el de la
belleza masculina y el de un momento heroico. El héroe desnudo como una escultura
clásica, espera el momento justo.
La espera, la concentración, la
postura y la musculatura en tensión nos conducen al concepto de Terribilitá
(estilo
grandioso y de fuerza potente que demuestra sobre todo vigor y una mirada terrible
llena de ira).
Quizás característico del mal genio del autor, sus esculturas tienen como
peculiaridad la gran fuerza expresiva interior, la energía, la mirada
desafiante. El gran mundo interior de las figuras, con una carga emocional
asombrosa.
Contrapposto: Se trata de buscar la armonía
de las partes del cuerpo. Por ejemplo, mientras la pierna izquierda del David se
flexiona el brazo derecho se deja recto. Y así sucede con la pierna derecha
recta, el brazo izquierdo flexionado. Es una especie de equilibrio, para dar
movimiento y para romper la frontalidad de las
esculturas.
Proporción: El David de Miguel Ángel es
una escultura de musculatura muy marcada, atlético con una proporción casi
perfecta. La cabeza es 1/8 partes del tamaño total del cuerpo mientras que la
mano es extremadamente grande. Así, remarca los elementos más importantes de la
escultura, la mano para marcar la acción y la cabeza para destacar la
mirada.
Diferencias: Esta escultura se tiende a
comparar con el David de Donatello, anterior a ésta. Antes se representaba a
David como un muchacho, mientras que Miguel Ángel lo representa como un adulto.
Otra diferencia fundamental es el tiempo de acción. Mientras Donatello
representa a David con la cabeza de Goliat en los pies, después de matarle,
Miguel Ángel representa el momento anterior, el de la espera a la
llegada.
República: El David se convirtió en un
símbolo de la República, como un digno defensor de la misma, al igual que el
David de la leyenda bíblica con su pueblo.
Aquí sería muy prolijo comentar cómo se decidió poner al
David en la plaza de la Signoria florentina. Todo el mundo estaba a favor,
excepto Da Vinci, porque pensaba que el David debía ser acoplado a una pared,
procurando sólo la vista frontal.
Miguel Angel le reprocho a Leonardo el fracasar en el
proyecto de la escultura del caballo que tanto anhelaba hacer Leonardo y quedó
en nada.
RAFAEL ZANCIO
ESCUELA DE ATENAS
Personajes:
1
- Platón:
Platón junto con
Aristóteles son las figuras centrales de la obra y sobre las cuales recae el
punto de fuga de todo el conjunto. Rafael utilizó la imagen de su coetáneo
Leonardo da Vinci, por el que debía sentir un gran respeto para representar al
sabio. Platón mantiene una charla con Aristóteles, su alumno, y porta en su mano
izquierda su obra Timeo,
un influyente ensayo de cosmología racional, física y religión. Con su dedo
apunta hacia arriba haciendo alusión a su concepto del mundo
de las ideas.
2 -
Aristóteles:
Aristóteles
comparte junto a Platón el protagonismo de la obra. Su gesto, contrapuesto al de
su compañero, hace alusión al mundo material. En su mano porta su obra Ética
a Nicómaco.
Aristóteles
fue el creador de la lógica formal, economía, astronomía, precursor de la
anatomía y la biología y un creador de la taxonomía (es considerado el padre de
la zoología y la botánica).
3 -
Heráclito:
El pintor
Miguel Ángel, compañero de Rafael en las tareas de decoración de las paredes del
Vaticano, encarna al filósofo Heráclito. Esta figura no incluida en el boceto
original fue añadida por Rafael como señal de respeto al artista. La figura
vestida con los atuendos habituales de Miguel Ángel, se encuentra apoyada sobre
un gran bloque de mármol en el primer plano de la obra.
4 -
Parménides:
Fundador de la
escuela Eleática, Parménides expuso su filosofía en forma de versos y su única
obra que ha perdurado se nutre de extensos fragmentos de un poema
didáctico,Sobre
la naturaleza. Sus
reflexiones pueden considerarse como precursoras del idealismo
Platónico.
5 -
Hipatia:
Representada por Margherita Luti, amante de Rafael,
Hipatia de Alejandría fue filósofa y maestra neoplatónica. Lider de la escuela
neoplatónica de Alejandría, destacó en numerosos campos entre los que se
encontraban la geometría, el álgrebra y la astronomía. No se conservan sus obras
pero numerosas fuentes de la época la sitúan como una figura muy influyente y
respetada. Algunos de sus alumnos ocuparon altos cargos incluyéndose entre ellos
el obispo Sinesio de Cirene, Hesiquio de Alejandría y Orestes, prefecto de
Egipto.
6 -
Diógenes:
Diógenes
aparece tumbado sobre los escalones, en un gesto muy representativo de su
sobriedad. Perteneciente a la escuela cínica se regía por los principios de
autonomía y desprecio de los usos de la sociedad. Para Diógenes la propiedad
carecía de valor y se dice que enseñaba que el robo era admisible ya que "todas
las cosas son propiedad del sabio".
7 -
Pitágoras:
Pitágoras
absorto en su trabajo aparece sentado en primer plano. Delante de el un alumno
sostiene una pizarra que muestra la Tetraktys, triangulo
formada por diez puntos distribuidos en 4 filas con 1, 2, 3 y 4 puntos
respectivamente que representa la creación universal, fuente y raíz de la eterna
naturaleza (I + II+ III + IIII = X). Para los pitagóricos todo es Número, el
Universo puede ser expresado y comprendido a través de las
matemáticas.
8 -
Euclides o Arquímedes:
El arquitecto
Bramante, amigo y mentor de Rafael, encarna a Euclides, padre de la Geometría, o
Arquímedes. La intención final de Rafael no la conocemos, pero el uso de un
compas por parte del personaje lo asocia a Euclides por otras representaciones
del sabio. Los que defienden la tesis de que es Arquímedes el retratado, se
basan en la gran fama con la que contaba el científico e ingeniero clásico, y lo
extraño que resultaría no encontrarlo en esta obra de Rafael. De estar
representado Arquímedes en la obra, esta sería la opción más clara.
9 -
Plotino:
Retratos de
Julio II, hacen pensar que fue el modelo de Rafael para Plotino, filósofo
neoplatónico autor de las Enéadas.
Como eje principal de su doctrina estaba su teoría de la trinidad compuesta por
el Uno,
el nous y
el alma.
Heredero de Platón y Aristóteles, centró su doctrina en la metafísica y el
misticismo. Fue fuente de inspiración para numerosos filósofos y místicos
cristianos.
10
- Sócrates:
Sócrates es
considerado como uno de los tres máximos representantes de la filosofía griega,
junto a Platón, su discípulo y Aristóteles. Fue el verdadero iniciador de la
filosofía en cuanto que le dio su objetivo primordial de ser la ciencia que
busca en el interior del ser humano. El método de Sócrates era dialéctico:
después de plantear una proposición analizaba las preguntas y respuestas
suscitadas por la misma. Sócrates describió el alma como aquello en virtud de lo
cual se nos califica de sabios o de locos, buenos o malos, una combinación de
inteligencia y carácter.
11
- Alejandro Magno:
Alejandro
Magno es considerado uno de los mayores lideres militares de la historia.
Consolidó la unificación de las ciudades-estado griegas y venció al enemigo
histórico de estas, el imperio Persa. En apenas 12 años creó un imperio como no
había sido conocido hasta entonces, uniendo Grecia, Oriente medio, Mesopotamia,
Egipto y la India. Recibió las enseñanzas de Aristóteles en su juventud, el
cual lo instruyó en historia, filosofía influyendo notablemente en el desarrollo
intelectual del futuro rey.
12
- Anaximandro:
A Anaximandro,
filósofo jonio discípulo y continuador de Tales, se le atribuye un libro sobre
la naturaleza, pero su pensamiento llega a la actualidad mediante comentarios
doxográficos de otros autores. Se le atribuye un mapa terrestre, la medición de
los solsticios y equinoccios por medio de un gnomon,
trabajos para determinar la distancia y tamaño de las estrellas y la afirmación
de que la Tierra es cilíndrica y ocupa el centro del Universo.
13
- Averróes:
Averróes
(latinización del nombre árabe Ibn Rushd) fue un filósofo y médico andalusí,
maestro de filosofía y leyes islámicas, matemáticas y medicina. La noética de
Averróes, formulada en su obra conocida como Gran
comentario, parte de la distinción aristotélica entre dos intelectos,
el nous
pathetikós (intelecto receptivo) y el nous
poietikós (intelecto agente), que permitió desligar la reflexión filosófica
de las especulaciones míticas y religiosas. Averróes se esforzó en aclarar cómo
piensa el ser humano y cómo es posible la formulación de verdades universales y
eternas por parte de seres perecederos.
14
- Antístenes:
Filósofo
griego fundador de la escuela Cínica. Discípulo de Sócrates, marco diferencias
con la escuela Platónica, predicando el ascetismo y la vida simple. Defendió una
teología negativa, donde Dios es incognoscible e incomprensible, lo que podemos
conocer y comprender nunca es lo divino, sino una entidad finita. No contó
con el aprecio de Platón y Aristóteles, los cuales afirmaban de él que era
incapaz de comprender las sutilezas de la dialéctica. Diógenes continuó las
pautas filosóficas de Antístenes añadiendo nuevos elementos a la escuela
cínica.
15
- Epicuro:
La filosofía
de Epicuro, en líneas generales, se caracteriza por situarse en el lado opuesto
a la filosofía platónica: afirma que no hay más que una realidad, el mundo
sensible, niega la inmortalidad del alma y afirma que ésta, al igual que todo lo
demás, está formada por átomos, afirma el hedonismo en la teoría ética y como
modo de vida y rechaza el interés por la política y, frente a la
reestructuración de la sociedad que, afirmaba Platón, era el objetivo del
filósofo, prefiere un estilo de vida sencillo y autosuficiente encaminado a la
felicidad en el que la amistad juega un papel fundamental.
16
- Zenón:
Zenón de Elea
fue un filósofo griego perteneciente a la escuela eleática
y discípulo Parménides, cuyas tesis defendía con un amplio arsenal conceptual.
Se le considera el primero en usar demostraciones por reducción al absurdo y son
muy conocidas sus paradojas donde
niega la existencia del movimiento o la pluralidad del ser. Los razonamientos de
Zenón constituyen el testimonio más antiguo que se conserva del pensamiento
infinitesimal desarrollado muchos siglos después en la aplicación del
cálculo infinitesimal que nacerá de la mano de Leibniz y Newton en
1666.
17
- Claudio Ptolomeo:
Astrónomo,
químico, geógrafo y matemático greco-egipcio, empleó la estudio empírico creando
un modelo geométrico que permitiera predecir las posiciones futuras de los
astros a partir del registro de las posiciones actuales y pasadas. Catalogó un
gran número de estrellas, asignándoles un brillo y magnitud, y estableció normas
para predecir los eclipses. Su teoría geocéntrica tuvo validez hasta el siglo
XVI, influenciando el pensamiento de numerosos matemáticos y astrónomos durante
siglos.
18
- Estrabón o Zoroastro (Zarathustra):
Esta figura
plantea dudas entre los expertos. Unos ven a Estrabón, geógrafo e historiador
griego autor de Geographiká(Geografía),
fechado en el 29 a.C y formado por 17 volúmenes, donde entre otros incluye un
mapa de Europa. Otros ven a Zoroastro, profeta fundador del mazdeismo, una de
las primeras religiones monoteístas que estableció en la zona de la actual
Afganistán. El nombre de mazdeísmo procede del nombre de la deidad Ahura Mazda,
enfrentado a Angra Mainyu, ente maligno gemelo de Mazda, eterno conflicto entre
el Bien y el Mal.
19
- Homero:
Homero es el
nombre dado al poeta y rapsoda griego al que tradicionalmente se le atribuye la
autoría de las principales poesías épicas griegas: la Ilíada y
la Odisea, pilar
sobre el que se apoya la épica grecolatina y, por ende, la literatura
occidental. En dichos relatos se narra la batalla de Troya y el herrático
regreso a casa de Odiseo (Ulises)
y sus hombres. Algunos dudan de la existencia real de este personaje atribuyendo
el termino Homero a un grupo de poetas llamadosHomēridai,
que literalmente significa ‘hijos de rehenes’, es decir, descendientes de
prisioneros de guerra.
20 -
Rafael Sanzio:
Rafael no
desaprovechó la oportunidad de autoretratarse en su obra, apareciendo como uno
de los pocos personajes que miran directamente al espectador, junto a Hipatia y
algún otro personaje secundario.
La obra es
central y cabe recalcar que esta pintura mural tiene la técnica al
fresco. Son alrededor de 50
figuras aproximadamente, que se encuentran en la escuela de Atenas, esta tiene
una renacentista ya que los arcos representados en las
figuras son típicos de la época. Las figuras mas importantes de la pintura
representan a Platón y Aristóteles.
Venus de
Urbino(1538), inspirada en la Venus
dormida deGiorgione, que a diferencia de ésta,
la de Tiziano está recostada, no en la naturaleza, sino en un elegante interior.
Desde 1963, se mantiene la hipótesis
de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga.
Representa la revalorización de la cultura clásica
(generada por el humanismo) a través de una escena en la que narra una sesión
entre filósofos, científicos y matemáticas más importantes de la
época.
TIZIANO
Venus de
Urbino(1538)
Esta obra inspirada en
la Venus dormida deGiorgione, que a diferencia de ésta,
la de Tiziano está recostada, no en la naturaleza, sino en un elegante interior.
Desde 1963, se mantiene la hipótesis
de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga.
Detalles de la imagen
Venus: Una Venus pudiente se
encuentra en primer término de la obra, con su mano escondiendo su sexo pero
mostrándonos su torso desnudo. A simple vista puede parecer la pose de una
diosa, por eso lo de Venus, pero la presencia del perro hace pensar en una
persona real.
Perro: Tradicionalmente la figura del
perro a los pies de las tumbas o las representaciones de las mujeres aludían a
su carácter dócil y de fidelidad. Sin embargo, aquí lo vemos dormido algo que,
junto con la representación desnuda de la retratada desconocida, forma una
imagen curiosa.
Criadas: La representación
aparentemente idealizada de la escena se rompe con la presencia de las criadas,
que rebuscan en los arcones, para darle mayor realismo a la escena.
Color: Maestro de la escuela
veneciana, utiliza los colores de forma brillante y muy bien elegidos. Así, la
escena principal de la mujer desnuda se resalta sobre un diván rojo y unas
sábanas blancas. Detrás, un cortinaje verde aumenta la teatralidad de la escena
y el movimiento al dar curvas en sus pliegues. Los tonos más pardos en los
tapices y en las criadas dan realismo a la escena.
Palacio: Toda la escena es
pintada con el marco arquitectónico de un típico palacio veneciano, con todo
lujo de detalles ya que Venecia se había convertido en una ciudad muy rica dado
el comercio.
Identificación: Los teóricos no
saben quién fue la mujer retratada. Algunos hablan de que podría ser una
cortesana, o incluso un amor del hijo del duque, o incluso una representación
neoplatónica.
DONATELLO
Esta obra esta hecha en mármol, es una
escultura de carácter monumental realizada para el gremio de comerciantes de
lino de la ciudad. La figura muestra movimiento al apoyar el peso del cuerpo
sobre la pierna derecha marcando la curva praxiteliana. El tratamiento de los
ropajes acompaña al estudio del movimiento y el
claro-oscuro.
ANDREA VERROCCHIO
De esta pintura podemos decir que se
puede destacar los colores exactos que el pintor quiere destacar, el color de la
piel es totalmente natural y nos deja ver la preocupación o el afán de la
madonna por el niño.
LUCA DELLA ROBBIA
Cantoría de la catedral de Florencia.
1431-1438
Danzantes: En la parte
más importante de la cantoría, hay una serie de relieves separados por doble
pilastra con capitel. Estos relieves narran las danzas, cantos y las alabanzas
al señor de una serie de niños.
Donatello: Casi
paralelo a que en 1431 le pidieran a Lucca della Robbia hacer esta cantoría,
Donatello era llamado para hacer una cantoría similar en la sacristía antigua de
la catedral de Florencia.
Arriba: Hay dos zonas
en la cantoría. La zona superior está configurada como un sarcófago romano,
sustentado por ménsulas.
Ménsulas: Unas
ménsulas decoradas con hojas de acanto y motivos clásicos sustentan la parte
superior.
Casetones: La parte
inferior del gran módulo superior está decorada con casetones, al estilo
romano.
Salmo: Las
inscripciones que vemos alrededor de la obra son parte del salmo 150, dedicado a
enseñar las alabanzas, danzas y cantos que debían hacerse para el Señor. Por
eso, estaba totalmente relacionado con la función de dicha cantoría y estaba en
relación con el significado de los relieves.
GIOVANNI BELLINI
La serie de la
Piedad
Es una representación artística de Cristo muerto
sostenido por la Virgen. Lo hizo en un estilo distinto y algo más personal, con
menos dureza en los contornos y un tratamiento más amplio de las formas y los
vestidos, pero sin atenuar la intensidad del sentimiento
religioso.
La familia Bellini estuvo muy implicada
en la pintura veneciana. Jacopo, Gentile y Giovanni son historia de la pintura
veneciana y universal. Venecia recibió influencias bizantinas y
flamencas.
Giovanni Bellini, tuvo influencias con
su cuñado el paduano Andrea Mantegna, y también con Piero Della Francesca,
Antonello de Mesina y Giorgione sin perder nunca su identidad. La poesía fue la
inspiración y el fin de su arte.
GIORGONE
La Venus
dormida,
también llamada Venus de
Dresde, es
una obra pintada con la técnica del óleo sobre lienzo, sumamente
importante por la influencia que ejerció en la representación de la
diosa Venus tendida, tema recurrente en
el Renacimiento y Barroco
La pintura retrata a una joven mujer
desnuda, cuyo perfil parece acompañar al paisaje que le sirve de trasfondo.
Giorgione ha puesto mucha atención al pintar ese paisaje, lo cual se hace notar
en los detalles y los sombreados, de este modo la obra posee una exquisitez y un
puro ritmo de línea y contorno. La textura de las figuradas telas en donde yace
tranquilamente la diosa y el armonioso, bucólico paisaje, dotan a este cuadro de
un justo equilibrio entre la placidez y la sensualidad. La obra quedó inconclusa
debido al fallecimiento del Giorgione, y el cielo fue posteriormente acabado
por Tiziano.
La elección de una mujer desnuda al
aire libre efectuada por Giorgione señala una revolución en la historia del
arte y es considerada por algunos como el punto de inicio para el arte
moderno.
Las connotaciones
eróticas son sutilmente planteadas (recientemente durante una restauración fue
borrado un Cupido añadido al paisaje con posterioridad a los aportes de
Tiziano): la Venus tiene levantado su brazo derecho mostrando así el hueco de la
axila, esto es una metáfora del sexo femenino, al mismo tiempo su mano izquierda
reposa dulcemente sobre la región pubiana.
El
paisaje con sus formas curvas refuerza las de la mujer.
Sin embargo, como en otras obras del
mismo maestro, existe una mirada distanciada, una actitud contemplativa hacia la
naturaleza y la belleza: la mujer aparece en un sueño recatado, las hojas tienen
tonalidades plateadas (color más bien frío, en lugar de los más usados en este
tipo de tema, colores cálidos), teniendo la joven una actitud ligeramente rígida
en comparación con las Venus pintadas por Tiziano o Velázquez.
